gophering on

=                               Music                                =

Music is the art of arranging sounds in time to produce a composition
through the elements of melody, harmony, rhythm, and timbre. It is one
of the cultural universal aspects of all human societies. General
definitions of music include common elements such as pitch (which
governs melody and harmony), rhythm (and its associated concepts
tempo, meter, and articulation), dynamics (loudness and softness), and
the sonic qualities of timbre and texture (which are sometimes termed
the "color" of a musical sound). Different styles or types of music
may emphasize, de-emphasize or omit some of these elements. Music is
performed with a vast range of instruments and vocal techniques
ranging from singing to rapping; there are solely instrumental pieces,
solely vocal pieces (such as songs without instrumental accompaniment)
and pieces that combine singing and instruments. The word derives from
Greek μουσική ('mousike'; "art of the Muses").
See glossary of musical terminology.

In its most general form, the activities describing music as an art
form or cultural activity include the creation of works of music
(songs, tunes, symphonies, and so on), the criticism of music, the
study of the history of music, and the aesthetic examination of music.
Ancient Greek and Indian philosophers defined music in two parts:
melodies, as tones ordered horizontally, and harmonies as tones
ordered vertically. Common sayings such as "the harmony of the
spheres" and "it is music to my ears" point to the notion that music
is often ordered and pleasant to listen to. However, 20th-century
composer John Cage thought that any sound can be music, saying, for
example, "There is no noise, only sound."

The creation, performance, significance, and even the definition of
music vary according to culture and social context. Indeed, throughout
history, some new forms or styles of music have been criticized as
"not being music", including Beethoven's 'Grosse Fuge' string quartet
in 1825, early jazz in the beginning of the 1900s and hardcore punk in
the 1980s. There are many types of music, including popular music,
traditional music, art music, music written for religious ceremonies
and work songs such as chanteys. Music ranges from strictly organized
compositions—such as Classical music symphonies from the 1700s and
1800s—through to spontaneously played improvisational music such as
jazz, and avant-garde styles of chance-based contemporary music from
the 20th and 21st centuries.

Music can be divided into genres (e.g., country music) and genres can
be further divided into subgenres (e.g., country blues and pop country
are two of the many country subgenres), although the dividing lines
and relationships between music genres are often subtle, sometimes
open to personal interpretation, and occasionally controversial. For
example, it can be hard to draw the line between some early 1980s hard
rock and heavy metal. Within the arts, music may be classified as a
performing art, a fine art or as an auditory art. Music may be played
or sung and heard live at a rock concert or orchestra performance,
heard live as part of a dramatic work (a music theater show or opera),
or it may be recorded and listened to on a radio, MP3 player, CD
player, smartphone or as film score or TV show.

In many cultures, music is an important part of people's way of life,
as it plays a key role in  religious rituals, rite of passage
ceremonies (e.g., graduation and marriage), social activities (e.g.,
dancing) and cultural activities ranging from amateur karaoke singing
to playing in an amateur funk band or singing in a community choir.
People may make music as a hobby, like a teen playing cello in a youth
orchestra, or work as a professional musician or singer. The music
industry includes the individuals who create new songs and musical
pieces (such as songwriters and composers), individuals who perform
music (which include orchestra, jazz band and rock band musicians,
singers and conductors), individuals who record music (music producers
and sound engineers), individuals who organize concert tours, and
individuals who sell recordings, sheet music, and scores to customers.
Even once a song or piece has been performed, music critics, music
journalists, and music scholars may assess and evaluate the piece and
its performance.

The word, 'music' is derived from Greek μουσική ('mousike'; "art of
the Muses"). In Greek mythology, the nine Muses were the goddesses who
inspired literature, science, and the arts and who were the source of
the knowledge embodied in the poetry, song-lyrics, and myths in the
Greek culture. According to the 'Online Etymological Dictionary', the
term "music" is derived from "mid-13c., musike, from Old French
'musique' (12c.) and directly from Latin 'musica' "the art of music,"
also including poetry (also [the] source of Spanish 'música', Italian
'musica', Old High German 'mosica', German 'Musik', Dutch 'muziek',
Danish 'musik')." This is derived from the "...Greek 'mousike
(techne)' "(art) of the Muses," from fem. of mousikos "pertaining to
the Muses," from Mousa "Muse" (see muse (n.)). Modern spelling [dates]
from [the] 1630s. In classical Greece, [the term "music" refers to]
any art in which the Muses presided, but especially music and lyric

                  As a form of art or entertainment                   
Music is composed and performed for many purposes, ranging from
aesthetic pleasure, religious or ceremonial purposes, or as an
entertainment product for the marketplace. When music was only
available through sheet music scores, such as during the Classical and
Romantic eras, music lovers would buy the sheet music of their
favourite pieces and songs so that they could perform them at home on
the piano. With the advent of the phonograph, records of popular
songs, rather than sheet music became the dominant way that music
lovers would enjoy their favourite songs. With the advent of home tape
recorders in the 1980s and digital music in the 1990s, music lovers
could make tapes or playlists of their favourite songs and take them
with them on a portable cassette player or MP3 player. Some music
lovers create mix tapes of their favourite songs, which serve as a
"self-portrait, a gesture of friendship, prescription for an ideal
party... [and] an environment consisting solely of what is most
ardently loved."

Amateur musicians can compose or perform music for their own pleasure,
and derive their income elsewhere. Professional musicians are employed
by a range of institutions and organisations, including armed forces
(in marching bands, concert bands and popular music groups), churches
and synagogues, symphony orchestras, broadcasting or film production
companies, and music schools. Professional musicians sometimes work as
freelancers or session musicians, seeking contracts and engagements in
a variety of settings. There are often many links between amateur and
professional musicians. Beginning amateur musicians take lessons with
professional musicians. In community settings, advanced amateur
musicians perform with professional musicians in a variety of
ensembles such as community concert bands and community orchestras.

A distinction is often made between music performed for a live
audience and music that is performed in a studio so that it can be
recorded and distributed through the music retail system or the
broadcasting system. However, there are also many cases where a live
performance in front of an audience is also recorded and distributed.
Live concert recordings are popular in both classical music and in
popular music forms such as rock, where illegally taped live concerts
are prized by music lovers. In the jam band scene, live, improvised
jam sessions are preferred to studio recordings.

"Composition" is the act or practice of creating a song, an
instrumental music piece, a work with both singing and instruments, or
another type of music. In many cultures, including Western classical
music, the act of composing also includes the creation of music
notation, such as a sheet music "score", which is then performed by
the composer or by other singers or musicians. In popular music and
traditional music, the act of composing, which is typically called
songwriting, may involve the creation of a basic outline of the song,
called the lead sheet, which sets out the melody, lyrics and chord
progression. In classical music, the composer typically orchestrates
his or her own compositions, but in musical theatre and in pop music,
songwriters may hire an arranger to do the orchestration. In some
cases, a songwriter may not use notation at all, and instead compose
the song in her mind and then play or record it from memory. In jazz
and popular music, notable recordings by influential performers are
given the weight that written scores play in classical music.

Even when music is notated relatively precisely, as in classical
music, there are many decisions that a performer has to make, because
notation does not specify all of the elements of music precisely. The
process of deciding how to perform music that has been previously
composed and notated is termed "interpretation". Different performers'
interpretations of the same work of music can vary widely, in terms of
the tempos that are chosen and the playing or singing style or
phrasing of the melodies. Composers and songwriters who present their
own music are interpreting their songs, just as much as those who
perform the music of others. The standard body of choices and
techniques present at a given time and a given place is referred to as
performance practice, whereas interpretation is generally used to mean
the individual choices of a performer.

Although a musical composition often uses musical notation and has a
single author, this is not always the case. A work of music can have
multiple composers, which often occurs in popular music when a band
collaborates to write a song, or in musical theatre, when one person
writes the melodies, a second person writes the lyrics, and a third
person orchestrates the songs. In some styles of music, such as the
blues, a composer/songwriter may create, perform and record new songs
or pieces without ever writing them down in music notation. A piece of
music can also be composed with words, images, or computer programs
that explain or notate how the singer or musician should create
musical sounds. Examples range from avant-garde music that uses
graphic notation, to text compositions such as 'Aus den sieben Tagen',
to computer programs that select sounds for musical pieces. Music that
makes heavy use of randomness and chance is called aleatoric music,
and is associated with contemporary composers active in the 20th
century, such as John Cage, Morton Feldman, and Witold Lutosławski. A
more commonly known example of chance-based music is the sound of wind
chimes jingling in a breeze.

The study of composition has traditionally been dominated by
examination of methods and practice of Western classical music, but
the definition of composition is broad enough to include the creation
of popular music and traditional music songs and instrumental pieces
as well as spontaneously improvised works like those of free jazz
performers and African percussionists such as Ewe drummers.

In the 2000s, music notation typically means the written expression of
music notes and rhythms on paper using symbols. When music is written
down, the pitches and rhythm of the music, such as the notes of a
melody, are notated. Music notation also often provides instructions
on how to perform the music. For example, the sheet music for a song
may state that the song is a "slow blues" or a "fast swing", which
indicates the tempo and the genre.  To read music notation, a person
must have an understanding of music theory, harmony and the
performance practice associated with a particular song or piece's

Written notation varies with style and period of music. In the 2000s,
notated music is produced as sheet music or, for individuals with
computer scorewriter programs, as an image on a computer screen. In
ancient times, music notation was put onto stone or clay tablets. To
perform music from notation, a singer or instrumentalist requires an
understanding of the rhythmic and pitch elements embodied in the
symbols and the performance practice that is associated with a piece
of music or a genre. In genres requiring musical improvisation, the
performer often plays from music where only the chord changes and form
of the song are written, requiring the performer to have a great
understanding of the music's structure, harmony and the styles of a
particular genre (e.g., jazz or country music).

In Western art music, the most common types of written notation are
scores, which include all the music parts of an ensemble piece, and
parts, which are the music notation for the individual performers or
singers. In popular music, jazz, and blues, the standard musical
notation is the lead sheet, which notates the melody, chords, lyrics
(if it is a vocal piece), and structure of the music. Fake books are
also used in jazz; they may consist of lead sheets or simply chord
charts, which permit rhythm section members to improvise an
accompaniment part to jazz songs. Scores and parts are also used in
popular music and jazz, particularly in large ensembles such as jazz
"big bands." In popular music, guitarists and electric bass players
often read music notated in tablature (often abbreviated as "tab"),
which indicates the location of the notes to be played on the
instrument using a diagram of the guitar or bass fingerboard.
Tablature was also used in the Baroque era to notate music for the
lute, a stringed, fretted instrument.

Musical improvisation is the creation of spontaneous music, often
within (or based on) a pre-existing harmonic framework or chord
progression. Improvisers use the notes of the chord, various scales
that are associated with each chord, and chromatic ornaments and
passing tones which may be neither chord tones not from the typical
scales associated with a chord. Musical improvisation can be done with
or without preparation. Improvisation is a major part of some types of
music, such as blues, jazz, and jazz fusion, in which instrumental
performers improvise solos, melody lines and accompaniment parts.

In the Western art music tradition, improvisation was an important
skill during the Baroque era and during the Classical era. In the
Baroque era, performers improvised ornaments, and basso continuo
keyboard players improvised chord voicings based on figured bass
notation. As well, the top soloists were expected to be able to
improvise pieces such as preludes. In the Classical era, solo
performers and singers improvised virtuoso cadenzas during concerts.

However, in the 20th and early 21st century, as "common practice"
Western art music performance became institutionalized in symphony
orchestras, opera houses and ballets, improvisation has played a
smaller role, as more and more music was notated in scores and parts
for musicians to play. At the same time, some 20th and 21st century
art music composers have increasingly included improvisation in their
creative work. In Indian classical music, improvisation is a core
component and an essential criterion of performances.

Music theory encompasses the nature and mechanics of music. It often
involves identifying patterns that govern composers' techniques and
examining the language and notation of music. In a grand sense, music
theory distills and analyzes the parameters or elements of music -
rhythm, harmony (harmonic function), melody, structure, form, and
texture. Broadly, music theory may include any statement, belief, or
conception of or about music. People who study these properties are
known as music theorists, and they typically work as professors in
colleges, universities, and music conservatories. Some have applied
acoustics, human physiology, and psychology to the explanation of how
and why music is perceived. Music theorists publish their research in
music theory journals and university press books.

Music has many different fundamentals or elements. Depending on the
definition of "element" being used, these can include: pitch, beat or
pulse, tempo, rhythm, melody, harmony, texture, style, allocation of
voices, timbre or color, dynamics, expression, articulation, form and
structure. The elements of music feature prominently in the music
curriculums of Australia, UK and US. All three curriculums identify
pitch, dynamics, timbre and texture as elements, but the other
identified elements of music are far from universally agreed. Below is
a list of the three official versions of the "elements of music":
* Australia: pitch, timbre, texture, dynamics and expression, rhythm,
form and structure.ACARA. (2015). Music glossary.  v7.5. Retrieved 28
May 2015, 2015, from

* UK: pitch, timbre, texture, dynamics, duration, tempo, structure.
* USA: pitch, timbre, texture, dynamics, rhythm, form, harmony,

In relation to the UK curriculum, in 2013 the term: "appropriate
musical notations" was added to their list of elements and the title
of the list was changed from the "elements of music" to the
"inter-related dimensions of music". The inter-related dimensions of
music are listed as: pitch, duration, dynamics, tempo, timbre,
texture, structure and appropriate musical notations.

The phrase "the elements of music" is used in a number of different
contexts. The two most common contexts can be differentiated by
describing them as the "rudimentary elements of music" and the
"perceptual elements of music".

 Rudimentary elements 
In the 1800s, the phrases "the elements of music" and "the rudiments
of music" were used interchangeably.  The elements described in these
documents refer to aspects of music that are needed in order to become
a musician, Recent writers such as Espie Estrella seem to be using the
phrase "elements of music" in a similar manner. A definition which
most accurately reflects this usage is: "the rudimentary principles of
an art, science, etc.: the elements of grammar." The UK's curriculum
switch to the "inter-related dimensions of music" seems to be a move
back to using the rudimentary elements of music.

 Perceptual elements 
Since the emergence of the study of psychoacoustics in the 1930s, most
lists of elements of music have related more to how we 'hear' music
than how we learn to play it or study it. C.E. Seashore, in his book
'Psychology of Music', identified four "psychological attributes of
sound". These were: "pitch, loudness, time, and timbre" (p. 3). He did
not call them the "elements of music" but referred to them as
"elemental components" (p. 2). Nonetheless these elemental components
link precisely with four of the most common musical elements: "Pitch"
and "timbre" match exactly, "loudness" links with dynamics and "time"
links with the time-based elements of rhythm, duration and tempo. This
usage of the phrase "the elements of music" links more closely with
'Webster's New 20th Century Dictionary' definition of an element as:
"a substance which cannot be divided into a simpler form by known
methods" and educational institutions' lists of elements generally
align with this definition as well.

Although writers of lists of "rudimentary elements of music" can vary
their lists depending on their personal (or institutional) priorities,
the perceptual elements of music should consist of an established (or
proven) list of discrete elements which can be independently
manipulated to achieve an intended musical effect. It seems at this
stage that there is still research to be done in this area.

A slightly different way of approaching the identification of the
elements of music, is to identify the "elements of sound" as:  pitch,
duration, loudness, timbre, sonic texture and  spatial location, and
then to define the "elements of music" as: sound, structure, and
artistic intent.

 Pitch and melody 
Pitch is an aspect of a sound that we can hear, reflecting whether one
musical sound, note or tone is "higher" or "lower" than another
musical sound, note or tone. We can talk about the highness or lowness
of pitch in the more general sense, such as the way a listener hears a
piercingly high piccolo note or whistling tone as higher in pitch than
a deep thump of a bass drum. We also talk about pitch in the precise
sense associated with musical melodies, basslines and chords. Precise
pitch can only be determined in sounds that have a frequency that is
clear and stable enough to distinguish from noise. For example, it is
much easier for listeners to discern the pitch of a single note played
on a piano  than to try to discern the pitch of a crash cymbal that is

A melody (also called a "tune") is a series of pitches (notes)
sounding in succession (one after the other), often in a rising and
falling pattern. The notes of a melody are typically created using
pitch systems such as scales or modes. Melodies also often contain
notes from the chords used in the song. The melodies in simple folk
songs and traditional songs may use only the notes of a single scale,
the scale associated with the tonic note or key of a given song. For
example, a folk song in the key of C (also referred to as C major) may
have a melody that uses only the notes of the C major scale (the
individual notes C, D, E, F, G, A, B and C; these are the "white
notes" on a piano keyboard. On the other hand, Bebop-era jazz from the
1940s and contemporary music from the 20th and 21st centuries may use
melodies with many chromatic notes (i.e., notes in addition to the
notes of the major scale; on a piano, a chromatic scale would include
all the notes on the keyboard, including the "white notes" and "black
notes" and unusual scales, such as the whole tone scale (a whole tone
scale in the key of C would contain the notes C, D, E, F, G and A). A
low, deep musical line played by bass instruments such as double bass,
electric bass or tuba is called a bassline.

 Harmony and chords 
Harmony refers to the "vertical" sounds of pitches in music, which
means pitches that are played or sung together at the same time to
create a chord. Usually this means the notes are played at the same
time, although harmony may also be implied by a melody that outlines a
harmonic structure (i.e., by using melody notes that are played one
after the other, outlining the notes of a chord). In music written
using the system of major-minor tonality ("keys"), which includes most
classical music written from 1600 to 1900 and most Western pop, rock
and traditional music, the key of a piece determines the scale used,
which centres around the "home note" or tonic of the key. Simple
classical pieces and many pop and traditional music songs are written
so that all the music is in a single key. More complex Classical, pop
and traditional music songs and pieces may have two keys (and in some
cases three or more keys). Classical music from the Romantic era
(written from about 1820-1900) often contains multiple keys, as does
jazz, especially Bebop jazz from the 1940s, in which the key or "home
note" of a song may change every four bars or even every two bars.

Rhythm is the arrangement of sounds and silences in time. Meter
animates time in regular pulse groupings, called measures or bars,
which in Western classical, popular and traditional music often group
notes in sets of two (e.g., 2/4 time), three (e.g., 3/4 time, also
known as Waltz time, or 3/8 time), or four (e.g., 4/4 time). Meters
are made easier to hear because songs and pieces often (but not
always) place an emphasis on the first beat of each grouping. Notable
exceptions exist, such as the backbeat used in much Western pop and
rock, in which a song that uses a measure that consists of four beats
(called 4/4 time or common time) will have accents on beats two and
four, which are typically performed by the drummer on the snare drum,
a loud and distinctive-sounding percussion instrument. In pop and
rock, the rhythm parts of a song are played by the rhythm section,
which includes chord-playing instruments (e.g., electric guitar,
acoustic guitar, piano, or other keyboard instruments), a bass
instrument (typically electric bass or for some styles such as jazz
and bluegrass, double bass) and a drum kit player.

Musical texture is the overall sound of a piece of music or song.  The
texture of a piece or song is determined by how the melodic, rhythmic,
and harmonic materials are combined in a composition, thus determining
the overall nature of the sound in a piece. Texture is often described
in regard to the density, or thickness, and range, or width, between
lowest and highest pitches, in relative terms as well as more
specifically distinguished according to the number of voices, or
parts, and the relationship between these voices (see common types
below). For example, a thick texture contains many 'layers' of
instruments. One of these layers could be a string section, or another
brass. The thickness also is affected by the amount and the richness
of the instruments. Texture is commonly described according to the
number of and relationship between parts or lines of music:
* monophony: a single melody (or "tune") with neither instrumental
accompaniment nor a harmony part. A mother singing a lullaby to her
baby would be an example.
* heterophony: two or more instruments or singers playing/singing the
same melody, but with each performer slightly varying the rhythm or
speed of the melody or adding different ornaments to the melody. Two
bluegrass fiddlers playing the same traditional fiddle tune together
will typically each vary the melody a bit and each add different
* polyphony: multiple independent melody lines that interweave
together, which are sung or played at the same time. Choral music
written in the Renaissance music era was typically written in this
style. A round, which is a song such as "Row, Row, Row Your Boat",
which different groups of singers all start to sing at a different
time, is a simple example of polyphony.
* homophony: a clear melody supported by chordal accompaniment. Most
Western popular music songs from the 19th century onward are written
in this texture.

Music that contains a large number of independent parts (e.g., a
double concerto accompanied by 100 orchestral instruments with many
interweaving melodic lines) is generally said to have a "thicker" or
"denser" texture than a work with few parts (e.g., a solo flute melody
accompanied by a single cello).

 Timbre or "tone color" 
Timbre, sometimes called "color" or "tone color" is the quality or
sound of a voice or instrument. Timbre is what makes a particular
musical sound different from another, even when they have the same
pitch and loudness. For example, a 440 Hz A note sounds different when
it is played on oboe, piano, violin or electric guitar. Even if
different players of the same instrument play the same note, their
notes might sound different due to differences in instrumental
technique (e.g., different embouchures), different types of
accessories (e.g., mouthpieces for brass players, reeds for oboe and
bassoon players) or strings made out of different materials for string
players (e.g., gut strings versus steel strings). Even two
instrumentalists playing the same note on the same instrument (one
after the other) may sound different due to different ways of playing
the instrument (e.g., two string players might hold the bow

The physical characteristics of sound that determine the perception of
timbre include the spectrum, envelope and overtones of a note or
musical sound. For electric instruments developed in the 20th century,
such as electric guitar, electric bass and electric piano, the
performer can also change the tone by adjusting equalizer controls,
tone controls on the instrument, and by using electronic effects units
such as distortion pedals. The tone of the electric Hammond organ is
controlled by adjusting drawbars.

Expressive qualities are those elements in music that create change in
music without changing the main pitches or substantially changing the
rhythms of the melody and its accompaniment. Performers, including
singers and instrumentalists, can add musical expression to a song or
piece by adding phrasing, by adding effects such as vibrato (with
voice and some instruments, such as guitar, violin, brass instruments
and woodwinds), dynamics (the loudness or softness of piece or a
section of it), tempo fluctuations (e.g., ritardando or accelerando,
which are, respectively slowing down and speeding up the tempo), by
adding pauses or fermatas on a cadence, and by changing the
articulation of the notes (e.g., making notes more pronounced or
accented, by making notes more legato, which means smoothly connected,
or by making notes shorter).

Expression is achieved through the manipulation of pitch (such as
inflection, vibrato, slides etc.), volume (dynamics, accent, tremolo
etc.), duration (tempo fluctuations, rhythmic changes, changing note
duration such as with legato and staccato,  etc.), timbre (e.g.
changing vocal timbre from a light to a resonant voice) and sometimes
even texture (e.g. doubling the bass note for a richer effect in a
piano piece). Expression therefore can be seen as a manipulation of
all elements in order to convey "an indication of mood, spirit,
character etc."  and as such cannot be included as a unique perceptual
element of music, although it can be considered an important
rudimentary element of music.

In music, form describes the overall structure or plan of a song or
piece of music, and it describes the layout of a composition as
divided into sections. In the early 20th century, Tin Pan Alley songs
and Broadway musical songs were often in AABA 32 bar form, in which
the A sections repeated the same eight bar melody (with variation) and
the B section provided a contrasting melody or harmony for eight bars.
From the 1960s onward, Western pop and rock songs are often in
verse-chorus form, which is based around a sequence of verse and
chorus ("refrain") sections, with new lyrics for most verses and
repeating lyrics for the choruses. Popular music often makes use of
strophic form, sometimes in conjunction with the twelve bar blues.

In the tenth edition of 'The Oxford Companion to Music', Percy Scholes
defines musical form as "a series of strategies designed to find a
successful mean between the opposite extremes of unrelieved repetition
and unrelieved alteration." Examples of common forms of Western music
include the fugue, the invention, sonata-allegro, canon, strophic,
theme and variations, and rondo.

Scholes states that European classical music had only six stand-alone
forms: simple binary, simple ternary, compound binary, rondo, air with
variations, and fugue (although musicologist Alfred Mann emphasized
that the fugue is primarily a method of composition that has sometimes
taken on certain structural conventions.)

Where a piece cannot readily be broken down into sectional units
(though it might borrow some form from a poem, story or programme), it
is said to be through-composed. Such is often the case with a
fantasia, prelude, rhapsody, etude (or study), symphonic poem,
Bagatelle, impromptu, etc. Professor Charles Keil classified forms and
formal detail as "sectional, developmental, or variational."

;Sectional form: This form is built from a sequence of clear-cut units
that may be referred to by letters but also often have generic names
such as introduction and coda, exposition, development and
recapitulation, verse, chorus or refrain, and bridge. Introductions
and codas, when they are no more than that, are frequently excluded
from formal analysis. All such units may typically be eight measures
long. Sectional forms include:

;Strophic form: This form is defined by its "unrelieved repetition"

;Medley: Medley, potpourri is the extreme opposite, that of
"unrelieved variation": it is simply an indefinite sequence of
self-contained sections (ABCD...), sometimes with repeats
(AABBCCDD...)  Examples include orchestral overtures, which are
sometimes no more than a string of the best tunes of the musical
theatre show or opera to come.

;Binary form: This form uses two sections (AB...), each often repeated
(AABB...) In 18th-century Western classical music, "simple binary"
form was often used for dances and carried with it the convention that
the two sections should be in different musical keys but same rhythm,
duration and tone. The alternation of two tunes gives enough variety
to permit a dance to be extended for as long as desired.

;Ternary form: This form has three parts. In Western classical music a
simple ternary form has a third section that is a recapitulation of
the first (ABA). Often, the first section is repeated (AABA). This
approach was popular in the 18th-century operatic aria, and was called
'da capo' (i.e. "repeat from the top") form. Later, it gave rise to
the 32-bar song, with the B section then often referred to as the
"middle eight". A song has more need than a dance of a self-contained
form with a beginning and an end of course.

;Rondo form: This form has a recurring theme alternating with
different (usually contrasting) sections called "episodes". It may be
asymmetrical (ABACADAEA) or symmetrical (ABACABA). A recurring
section, especially the main theme, is sometimes more thoroughly
varied, or else one episode may be a "development" of it. A similar
arrangement is the ritornello form of the Baroque concerto grosso.
Arch form (ABCBA) resembles a symmetrical rondo without intermediate
repetitions of the main theme. It is normally used in a round.

;Variational form: Theme and Variations: a theme, which in itself can
be of any shorter form (binary, ternary, etc.), forms the only
"section" and is repeated indefinitely (as in strophic form) but is
varied each time (A, B, A, F, Z, A), so as to make a sort of sectional
chain form. An important variant of this, much used in 17th-century
British music and in the Passacaglia and Chaconne, was that of the
ground bass - a repeating bass theme or 'basso ostinato' over and
around which the rest of the structure unfolds, often, but not always,
spinning polyphonic or contrapuntal threads, or improvising divisions
and descants. This is said by Scholes (1977) to be the form 'par
excellence' of unaccompanied or accompanied solo instrumental music.
The Rondo is often found with sections varied (AA1BA2CA3BA4) or

;Developmental form: Developmental forms are built directly from
smaller units, such as motifs. A well-known Classical piece with a
motif is Beethoven's fifth symphony, which starts with three short
repeated notes and then a long note. In Classical pieces that are
based on motifs, the motif is usually combined, varied and worked out
in different ways, perhaps having a symmetrical or arch-like
underpinning and a progressive development from beginning to end. By
far the most important developmental form in Western classical music
is sonata form.This form, also known as first movement form, compound
binary, or ternary form, developed from the binary-formed dance
movement described above but is almost always cast in a greater
ternary form having the nominal subdivisions of exposition,
development and recapitulation. Usually, but not always, the "A" parts
(exposition and recapitulation, respectively) may be subdivided into
two or three themes or theme groups which are taken asunder and
recombined to form the "B" part (the development) - thus, e.g.
(AabB[dev. of a or b]A1ab1+coda). This developmental form is generally
confined to certain sections of the piece, as to the middle section of
the first movement of a sonata, though 19th-century composers such as
Berlioz, Liszt and Wagner made valiant efforts to derive large-scale
works purely or mainly from the motif.

 Analysis of styles 
Some styles of music place an emphasis on certain of these
fundamentals, while others place less emphasis on certain elements. To
give one example, while Bebop-era jazz makes use of very complex
chords, including altered dominants and challenging chord
progressions, with chords changing two or more times per bar and keys
changing several times in a tune, funk places most of its emphasis on
rhythm and groove, with entire songs based around a vamp on a single
chord. While Romantic era classical music from the mid- to late-1800s
makes great use of dramatic changes of dynamics, from whispering
pianissimo sections to thunderous fortissimo sections, some entire
Baroque dance suites for harpsichord from the early 1700s may use a
single dynamic. To give another example, while some art music pieces,
such as symphonies are very long, some pop songs are just a few
minutes long.

 Early history 
Prehistoric music can only be theorized based on findings from
paleolithic archaeology sites. Flutes are often discovered, carved
from bones in which lateral holes have been pierced; these are thought
to have been blown at one end like the Japanese shakuhachi. The Divje
Babe flute, carved from a cave bear femur, is thought to be at least
40,000 years old. Instruments such as the seven-holed flute and
various types of stringed instruments, such as the Ravanahatha, have
been recovered from the Indus Valley Civilization archaeological
sites. India has one of the oldest musical traditions in the
world—references to Indian classical music ('marga') are found in the
Vedas, ancient scriptures of the Hindu tradition. The earliest and
largest collection of prehistoric musical instruments was found in
China and dates back to between 7000 and 6600 BC. The "Hurrian Hymn to
Nikkal", found on clay tablets that date back to approximately 1400
BC, is the oldest surviving notated work of music.

 Ancient Egypt 
The ancient Egyptians credited one of their gods, Thoth, with the
invention of music, with Osiris in turn used as part of his effort to
civilize the world. The earliest material and representational
evidence of Egyptian musical instruments dates to the Predynastic
period, but the evidence is more securely attested in the Old Kingdom
when harps, flutes and double clarinets were played. Percussion
instruments, lyres and lutes were added to orchestras by the Middle
Kingdom. Cymbals frequently accompanied music and dance, much as they
still do in Egypt today. Egyptian folk music, including the
traditional Sufi 'dhikr' rituals, are the closest contemporary music
genre to ancient Egyptian music, having preserved many of its
features, rhythms and instruments.

 Asian cultures 
align=center |Gangubai Hangal Durga
Asian music covers a vast swath of music cultures surveyed in the
articles on Arabia, Central Asia, East Asia, South Asia, and Southeast
Asia. Several have traditions reaching into antiquity.

Indian classical music is one of the oldest musical traditions in the
world. The Indus Valley civilization has sculptures that show dance
and old musical instruments, like the seven holed flute. Various types
of stringed instruments and drums have been recovered from Harappa and
Mohenjo Daro by excavations carried out by Sir Mortimer Wheeler. The
Rigveda has elements of present Indian music, with a musical notation
to denote the metre and the mode of chanting. Indian classical music
(marga) is monophonic, and based on a single melody line or raga
rhythmically organized through talas. 'Silappadhikaram' by Ilango
Adigal provides information about how new scales can be formed by
modal shifting of the tonic from an existing scale. Present day Hindi
music was influenced by Persian traditional music and Afghan Mughals.
Carnatic music, popular in the southern states, is largely devotional;
the majority of the songs are addressed to the Hindu deities. There
are also many songs emphasising love and other social issues.

Chinese classical music, the traditional art or court music of China,
has a history stretching over around three thousand years. It has its
own unique systems of musical notation, as well as musical tuning and
pitch, musical instruments and styles or musical genres. Chinese music
is pentatonic-diatonic, having a scale of twelve notes to an octave (5
+ 7 = 12) as does European-influenced music.

 References in the Bible 
Knowledge of the biblical period is mostly from literary references in
the Bible and post-biblical sources. Religion and music historian
Herbert Lockyer, Jr. writes that "music, both vocal and instrumental,
was well cultivated among the Hebrews, the New Testament Christians,
and the Christian church through the centuries." He adds that "a look
at the Old Testament reveals how God's ancient people were devoted to
the study and practice of music, which holds a unique place in the
historical and prophetic books, as well as the Psalter."

Music and theatre scholars studying the history and anthropology of
Semitic and early Judeo-Christian culture have discovered common links
in theatrical and musical activity between the classical cultures of
the Hebrews and those of later Greeks and Romans. The common area of
performance is found in a "social phenomenon called litany," a form of
prayer consisting of a series of invocations or supplications. The
'Journal of Religion and Theatre' notes that among the earliest forms
of litany, "Hebrew litany was accompanied by a rich musical

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle
the harp and pipe", the Pentateuch is nearly silent about the practice
and instruction of music in the early life of Israel". In I Samuel 10,
there are more depictions of "large choirs and orchestras". These
large ensembles could only be run with extensive rehearsals. This had
led some scholars to theorize that the prophet Samuel led a public
music school to a wide range of students.

 Ancient Greece 
Music was an important part of social and cultural life in ancient
Greece. Musicians and singers played a prominent role in Greek
theater. Mixed-gender choruses performed for entertainment,
celebration, and spiritual ceremonies. Instruments included the
double-reed 'aulos' and a plucked string instrument, the 'lyre',
principally the special kind called a 'kithara'. Music was an
important part of education, and boys were taught music starting at
age six. Greek musical literacy created a flowering of music
development. Greek music theory included the Greek musical modes, that
eventually became the basis for Western religious and classical music.
Later, influences from the Roman Empire, Eastern Europe, and the
Byzantine Empire changed Greek music. The Seikilos epitaph is the
oldest surviving example of a complete musical composition, including
musical notation, from anywhere in the world. The oldest surviving
work written on the subject of music theory is 'Harmonika Stoicheia'
by Aristoxenus.

 Middle Ages 
align=center |Léonin or Pérotin Breves dies hominis
The medieval era (476 to 1400), which took place during the Middle
Ages, started with the introduction of monophonic (single melodic
line) chanting into Roman Catholic Church services. Musical notation
was used since Ancient times in Greek culture, but in the Middle Ages,
notation was first introduced by the Catholic church so that the chant
melodies could be written down, to facilitate the use of the same
melodies for religious music across the entire Catholic empire. The
only European Medieval repertory that has been found in written form
from before 800 is the monophonic liturgical plainsong chant of the
Roman Catholic Church, the central tradition of which was called
Gregorian chant. Alongside these traditions of sacred and church music
there existed a vibrant tradition of secular song (non-religious
songs). Examples of composers from this period are Léonin, Pérotin,
Guillaume de Machaut, and Walther von der Vogelweide.

align=center |T.L. de Victoria Amicus meus
Renaissance music (c. 1400 to 1600) was more focused on secular
(non-religious) themes, such as courtly love. Around 1450, the
printing press was invented, which made printed sheet music much less
expensive and easier to mass-produce (prior to the invention of the
printing press, all notated music was hand-copied). The increased
availability of sheet music helped to spread musical styles more
quickly and across a larger area. Musicians and singers often worked
for the church, courts and towns. Church choirs grew in size, and the
church remained an important patron of music. By the middle of the
15th century, composers wrote richly polyphonic sacred music, in which
different melody lines were interwoven simultaneously. Prominent
composers from this era include Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da
Palestrina, Thomas Morley, and Orlande de Lassus. As musical activity
shifted from the church to the aristocratic courts, kings, queens and
princes competed for the finest composers. Many leading important
composers came from the Netherlands, Belgium, and northern France.
They are called the Franco-Flemish composers. They held important
positions throughout Europe, especially in Italy. Other countries with
vibrant musical activity included Germany, England, and Spain.

align=center |J.S. Bach Toccata and Fugue
The Baroque era of music took place from 1600 to 1750, as the Baroque
artistic style flourished across Europe; and during this time, music
expanded in its range and complexity. Baroque music began when the
first operas (dramatic solo vocal music accompanied by orchestra) were
written. During the Baroque era, polyphonic contrapuntal music, in
which multiple, simultaneous independent melody lines were used,
remained important (counterpoint was important in the vocal music of
the Medieval era). German Baroque composers wrote for small ensembles
including strings, brass, and woodwinds, as well as for choirs and
keyboard instruments such as pipe organ, harpsichord, and clavichord.
During this period several major music forms were defined that lasted
into later periods when they were expanded and evolved further,
including the fugue, the invention, the sonata, and the concerto. The
late Baroque style was polyphonically complex and richly ornamented.
Important composers from the Baroque era include Johann Sebastian Bach
('Cello suites'), George Frideric Handel ('Messiah'), Georg Philipp
Telemann and Antonio Lucio Vivaldi ('The Four Seasons').

align=center |W.A. Mozart Symphony 40 G minor
The music of the Classical period (1730 to 1820) aimed to imitate what
were seen as the key elements of the art and philosophy of Ancient
Greece and Rome: the ideals of balance, proportion and disciplined
expression. (Note: the music from the Classical period should not be
confused with Classical music in general, a term which refers to
Western art music from the 5th century to the 2000s, which includes
the Classical period as one of a number of periods).  Music from the
Classical period has a lighter, clearer and considerably simpler
texture than the Baroque music which preceded it. The main style was
homophony, where a prominent melody and a subordinate chordal
accompaniment part are clearly distinct. Classical instrumental
melodies tended to be almost voicelike and singable. New genres were
developed, and the fortepiano, the forerunner to the modern piano,
replaced the Baroque era harpsichord and pipe organ as the main
keyboard instrument (though pipe organ continued to be used in sacred
music, such as Masses).

Importance was given to instrumental music. It was dominated by
further development of musical forms initially defined in the Baroque
period: the sonata, the concerto, and the symphony. Others main kinds
were the trio, string quartet, serenade and divertimento. The sonata
was the most important and developed form. Although Baroque composers
also wrote sonatas, the Classical style of sonata is completely
distinct. All of the main instrumental forms of the Classical era,
from string quartets to symphonies and concertos, were based on the
structure of the sonata. The instruments used chamber music and
orchestra became more standardized. In place of the basso continuo
group of the Baroque era, which consisted of harpsichord, organ or
lute along with a number of bass instruments selected at the
discretion of the group leader (e.g., viol, cello, theorbo, serpent),
Classical chamber groups used specified, standardized instruments
(e.g., a string quartet would be performed by two violins, a viola and
a cello). The Baroque era improvised chord-playing of the continuo
keyboardist or lute player was gradually phased out between 1750 and

One of the most important changes made in the Classical period was the
development of public concerts. The aristocracy still played a
significant role in the sponsorship of concerts and compositions, but
it was now possible for composers to survive without being  permanent
employees of queens or princes. The increasing popularity of classical
music led to a growth in the number and types of orchestras. The
expansion of orchestral concerts necessitated the building of large
public performance spaces. Symphonic music including symphonies,
musical accompaniment to ballet and mixed vocal/instrumental genres
such as opera and oratorio became more popular.

The best known composers of Classicism are Carl Philipp Emanuel Bach,
Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn,
Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven and Franz Schubert.
Beethoven and Schubert are also considered to be composers in the
later part of the Classical era, as it began to move towards

align=center |R. Wagner 'Die Walküre'
Romantic music (c. 1810 to 1900) from the 19th century had many
elements in common with the Romantic styles in literature and painting
of the era. Romanticism was an artistic, literary, and intellectual
movement was characterized by its emphasis on emotion and
individualism as well as glorification of all the past and nature.
Romantic music expanded beyond the rigid styles and forms of the
Classical era into more passionate, dramatic expressive pieces and
songs. Romantic composers such as Wagner and Brahms attempted to
increase emotional expression and power in their music to describe
deeper truths or human feelings. With symphonic tone poems, composers
tried to tell stories and evoke images or landscapes using
instrumental music. Some composers promoted nationalistic pride with
patriotic orchestral music inspired by folk music. The emotional and
expressive qualities of music came to take precedence over tradition.

Romantic composers grew in idiosyncrasy, and went further in the
syncretism of exploring different art-forms in a musical context,
(such as literature), history (historical figures and legends), or
nature itself. Romantic love or longing was a prevalent theme in many
works composed during this period. In some cases the formal structures
from the classical period continued to be used (e.g., the sonata form
used in string quartets and symphonies), but these forms were expanded
and altered. In many cases, new approaches were explored for existing
genres, forms, and functions. Also, new forms were created that were
deemed better suited to the new subject matter. Composers continued to
develop opera and ballet music, exploring new styles and themes.

In the years after 1800, the music developed by Ludwig van Beethoven
and Franz Schubert introduced a more dramatic, expressive style. In
Beethoven's case, short motifs, developed organically, came to replace
melody as the most significant compositional unit (an example is the
distinctive four note figure used in his Fifth Symphony). Later
Romantic composers such as Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Antonín Dvořák,
and Gustav Mahler used more unusual chords and more dissonance to
create dramatic tension. They generated complex and often much longer
musical works. During the late Romantic period, composers explored
dramatic chromatic alterations of tonality, such as extended chords
and altered chords, which created new sound "colours". The late 19th
century saw a dramatic expansion in the size of the orchestra, and the
industrial revolution helped to create better instruments, creating a
more powerful sound. Public concerts became an important part of
well-to-do urban society. It also saw a new diversity in theatre
music, including operetta, and musical comedy and other forms of
musical theatre.

 20th and 21st century music 
In the 19th century, one of the key ways that new compositions became
known to the public was by the sales of sheet music, which middle
class amateur music lovers would perform at home on their piano or
other common instruments, such as violin. With 20th-century music, the
invention of new electric technologies such as radio broadcasting and
the mass market availability of gramophone records meant that sound
recordings of songs and pieces heard by listeners (either on the radio
or on their record player) became the main way to learn about new
songs and pieces. There was a vast increase in music listening as the
radio gained popularity and phonographs were used to replay and
distribute music, because whereas in the 19th century, the focus on
sheet music restricted access to new music to the middle class and
upper-class people who could read music and who owned pianos and
instruments, in the 20th century, anyone with a radio or record player
could hear operas, symphonies and big bands right in their own living
room. This allowed lower-income people, who would never be able to
afford an opera or symphony concert ticket to hear this music. It also
meant that people could hear music from different parts of the
country, or even different parts of the world, even if they could not
afford to travel to these locations. This helped to spread musical

The focus of art music in the 20th century was characterized by
exploration of new rhythms, styles, and sounds. The horrors of World
War I influenced many of the arts, including music, and some composers
began exploring darker, harsher sounds. Traditional music styles such
as jazz and folk music were used by composers as a source of ideas for
classical music. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg, and John Cage
were all influential composers in 20th-century art music. The
invention of sound recording and the ability to edit music gave rise
to new subgenre of classical music, including the acousmatic and
Musique concrète schools of electronic composition. Sound recording
was also a major influence on the development of popular music genres,
because it enabled recordings of songs and bands to be widely
distributed. The introduction of the multitrack recording system had a
major influence on rock music, because it could do much more than
record a band's performance. Using a multitrack system, a band and
their music producer could overdub many layers of instrument tracks
and vocals, creating new sounds that would not be possible in a live

Jazz evolved and became an important genre of music over the course of
the 20th century, and during the second half of that century, rock
music did the same. Jazz is an American musical artform that
originated in the beginning of the 20th century in African American
communities in the Southern United States from a confluence of African
and European music traditions. The style's West African pedigree is
evident in its use of blue notes, improvisation, polyrhythms,
syncopation, and the swung note.

Rock music is a genre of popular music that developed in the 1960s
from 1950s rock and roll, rockabilly, blues, and country music. The
sound of rock often revolves around the electric guitar or acoustic
guitar, and it uses a strong back beat laid down by a rhythm section.
Along with the guitar or keyboards, saxophone and blues-style
harmonica are used as soloing instruments. In its "purest form", it
"has three chords, a strong, insistent back beat, and a catchy
melody". The traditional rhythm section for popular music is rhythm
guitar, electric bass guitar, drums. Some bands also have keyboard
instruments such as organ, piano, or, since the 1970s, analog
synthesizers. In the 1980s, pop musicians began using digital
synthesizers, such as the DX-7 synthesizer, electronic drum machines
such as the TR-808 and synth bass devices (such as the TB-303) or
synth bass keyboards. In the 1990s, an increasingly large range of
computerized hardware musical devices and instruments and software
(e.g., digital audio workstations)  were used. In the 2020s, soft
synths and computer music apps make it possible for bedroom producers
to create and record some types of music, such as electronic dance
music in their own home, adding sampled and digital instruments and
editing the recording digitally. In the 1990s, some bands in genres
such as nu metal began including DJs in their bands. DJs create music
by manipulating recorded music on record players or CD players, using
a DJ mixer.

Performance is the physical expression of music, which occurs when a
song is sung or when a piano piece, electric guitar melody, symphony,
drum beat or other musical part is played by musicians. In classical
music, a musical work is written in music notation by a composer and
then it is performed once the composer is satisfied with its structure
and instrumentation. However, as it gets performed, the interpretation
of a song or piece can evolve and change. In classical music,
instrumental performers, singers or conductors may gradually make
changes to the phrasing or tempo of a piece. In popular and
traditional music, the performers have a lot more freedom to make
changes to the form of a song or piece. As such, in popular and
traditional music styles, even when a band plays a cover song, they
can make changes to it such as adding a guitar solo to or inserting an

A performance can either be planned out and rehearsed
(practiced)—which is the norm in classical music, with jazz big bands
and many popular music styles-or improvised over a chord progression
(a sequence of chords), which is the norm in small jazz and blues
groups. Rehearsals of orchestras, concert bands and choirs are led by
a conductor. Rock, blues and jazz bands are usually led by the
bandleader. A rehearsal is a structured repetition of a song or piece
by the performers until it can be sung and/or played correctly and, if
it is a song or piece for more than one musician, until the parts are
together from a rhythmic and tuning perspective. Improvisation is the
creation of a musical idea-a melody or other musical line-created on
the spot, often based on scales or pre-existing melodic riffs.

Many cultures have strong traditions of solo performance (in which one
singer or instrumentalist performs), such as in Indian classical
music, and in the Western art-music tradition. Other cultures, such as
in Bali, include strong traditions of group performance. All cultures
include a mixture of both, and performance may range from improvised
solo playing to highly planned and organised performances such as the
modern classical concert, religious processions, classical music
festivals or music competitions. Chamber music, which is music for a
small ensemble with only a few of each type of instrument, is often
seen as more intimate than large symphonic works.

 Oral and aural tradition 
Many types of music, such as traditional blues and folk music were not
written down in sheet music; instead, they were originally preserved
in the memory of performers, and the songs were handed down orally,
from one musician or singer to another, or aurally, in which a
performer learns a song "by ear". When the composer of a song or piece
is no longer known, this music is often classified as "traditional" or
as a "folk song". Different musical traditions have different
attitudes towards how and where to make changes to the original source
material, from quite strict, to those that demand improvisation or
modification to the music. A culture's history and stories may also be
passed on by ear through song.

In music, an ornament consists of added notes that provide decoration
to a melody, bassline or other musical part. The detail included
explicitly in the music notation varies between genres and historical
periods. In general, art music notation from the 17th through the 19th
centuries required performers to have a great deal of contextual
knowledge about performing styles. For example, in the 17th and 18th
centuries, music notated for solo performers typically indicated a
simple, unadorned melody. Performers were expected to know how to add
stylistically appropriate ornaments to add interest to the music, such
as trills and turns. Different styles of music use different
ornaments. A Baroque flute player might add mordents, which are short
notes that are played before the main melody note, either above or
below the main melody note. A blues guitarist playing electric guitar
might use string bending to add expression; a heavy metal guitar
player might use hammer-ons and pull-offs.

In the 19th century, art music for solo performers may give a general
instruction such as to perform the music expressively, without
describing in detail how the performer should do this. The performer
was expected to know how to use tempo changes, accentuation, and
pauses (among other devices) to obtain this "expressive" performance
style. In the 20th century, art music notation often became more
explicit and used a range of markings and annotations to indicate to
performers how they should play or sing the piece. In popular music
and traditional music styles, performers are expected to know what
types of ornaments are stylistically appropriate for a given song or
piece, and performers typically add them in an improvised fashion. One
exception is note-for-note solos, in which some players precisely
recreate a famous version of a solo, such as a guitar solo.

                      Philosophy and aesthetics                       
Philosophy of music is a subfield of philosophy. The philosophy of
music is the study of fundamental questions regarding music. The
philosophical study of music has many connections with philosophical
questions in metaphysics and aesthetics.
Some basic questions in the philosophy of music are:

* What is the definition of music? (What are the necessary and
sufficient conditions for classifying something as music?)
* What is the relationship between music and mind?
* What does music history reveal to us about the world?
* What is the connection between music and emotions?
* What is meaning in relation to music?

In ancient times, such as with the Ancient Greeks, the aesthetics of
music explored the mathematical and cosmological dimensions of
rhythmic and harmonic organization. In the 18th century, focus shifted
to the experience of hearing music, and thus to questions about its
beauty and human enjoyment ('plaisir' and 'jouissance') of music. The
origin of this philosophic shift is sometimes attributed to Alexander
Gottlieb Baumgarten in the 18th century, followed by Immanuel Kant.
Through their writing, the ancient term 'aesthetics', meaning sensory
perception, received its present-day connotation. In the 2000s,
philosophers have tended to emphasize issues besides beauty and
enjoyment. For example, music's capacity to express emotion has been a
central issue.

In the 20th century, important contributions were made by Peter Kivy,
Jerrold Levinson, Roger Scruton, and Stephen Davies. However, many
musicians, music critics, and other non-philosophers have contributed
to the aesthetics of music. In the 19th century, a significant debate
arose between Eduard Hanslick, a music critic and musicologist, and
composer Richard Wagner regarding whether music can express meaning.
Harry Partch and some other musicologists, such as Kyle Gann, have
studied and tried to popularize microtonal music and the usage of
alternate musical scales. Also many modern composers like La Monte
Young, Rhys Chatham and Glenn Branca paid much attention to a scale
called just intonation.

It is often thought that music has the ability to affect our emotions,
intellect, and psychology; it can assuage our loneliness or incite our
passions. The philosopher Plato suggests in 'The Republic' that music
has a direct effect on the soul. Therefore, he proposes that in the
ideal regime music would be closely regulated by the state (Book VII).

There has been a strong tendency in the aesthetics of music to
emphasize the paramount importance of compositional structure;
however, other issues concerning the aesthetics of music include
lyricism, harmony, hypnotism, emotiveness, temporal dynamics,
resonance, playfulness, and color (see also musical development).

Modern music psychology aims to explain and understand musical
behavior and experience. Research in this field and its subfields are
primarily empirical; their knowledge tends to advance on the basis of
interpretations of data collected by systematic observation of and
interaction with human participants. In addition to its focus on
fundamental perceptions and cognitive processes, music psychology is a
field of research with practical relevance for many areas, including
music performance, composition, education, criticism, and therapy, as
well as investigations of human aptitude, skill, intelligence,
creativity, and social behavior.

 Cognitive neuroscience of music 
Cognitive neuroscience of music is the scientific study of brain-based
mechanisms involved in the cognitive processes underlying music. These
behaviours include music listening, performing, composing, reading,
writing, and ancillary activities. It also is increasingly concerned
with the brain basis for musical aesthetics and musical emotion. The
field is distinguished by its reliance on direct observations of the
brain, using such techniques as functional magnetic resonance imaging
(fMRI), transcranial magnetic stimulation (TMS),
magnetoencephalography (MEG), electroencephalography (EEG), and
positron emission tomography (PET).

 Cognitive musicology 
Cognitive musicology is a branch of cognitive science concerned with
computationally modeling musical knowledge with the goal of
understanding both music and cognition. The use of computer models
provides an exacting, interactive medium in which to formulate and
test theories and has roots in artificial intelligence and cognitive

This interdisciplinary field investigates topics such as the parallels
between language and music in the brain. Biologically inspired models
of computation are often included in research, such as neural networks
and evolutionary programs. This field seeks to model how musical
knowledge is represented, stored, perceived, performed, and generated.
By using a well-structured computer environment, the systematic
structures of these cognitive phenomena can be investigated.

Psychoacoustics is the scientific study of sound perception. More
specifically, it is the branch of science studying the psychological
and physiological responses associated with sound (including speech
and music). It can be further categorized as a branch of

 Evolutionary musicology 
Evolutionary musicology concerns the "origins of music, the question
of animal song, selection pressures underlying music evolution", and
"music evolution and human evolution". It seeks to understand music
perception and activity in the context of evolutionary theory. Charles
Darwin speculated that music may have held an adaptive advantage and
functioned as a protolanguage, a view which has spawned several
competing theories of music evolution. An alternate view sees music as
a by-product of linguistic evolution; a type of "auditory cheesecake"
that pleases the senses without providing any adaptive function. This
view has been directly countered by numerous music researchers.

 Culture in music cognition 
An individual's culture or ethnicity plays a role in their music
cognition, including their preferences, emotional reaction, and
musical memory. Musical preferences are biased toward culturally
familiar musical traditions beginning in infancy, and adults'
classification of the emotion of a musical piece depends on both
culturally specific and universal structural features. Additionally,
individuals' musical memory abilities are greater for culturally
familiar music than for culturally unfamiliar music.

                         Sociological aspects                         
Many ethnographic studies demonstrate that music is a participatory,
community-based activity. Music is experienced by individuals in a
range of social settings ranging from being alone to attending a large
concert, forming a music community, which cannot be understood as a
function of individual will or accident; it includes both commercial
and non-commercial participants with a shared set of common values.
Musical performances take different forms in different cultures and
socioeconomic milieus. In Europe and North America, there is often a
divide between what types of music are viewed as a "high culture" and
"low culture." "High culture" types of music typically include Western
art music such as Baroque, Classical, Romantic, and modern-era
symphonies, concertos, and solo works, and are typically heard in
formal concerts in concert halls and churches, with the audience
sitting quietly in seats.

Other types of music—including, but not limited to, jazz, blues, soul,
and country—are often performed in bars, nightclubs, and theatres,
where the audience may be able to drink, dance, and express themselves
by cheering. Until the later 20th century, the division between "high"
and "low" musical forms was widely accepted as a valid distinction
that separated out better quality, more advanced "art music" from the
popular styles of music heard in bars and dance halls.

However, in the 1980s and 1990s, musicologists studying this perceived
divide between "high" and "low" musical genres argued that this
distinction is not based on the musical value or quality of the
different types of music. Rather, they argued that this distinction
was based largely on the socioeconomics standing or social class of
the performers or audience of the different types of music. For
example, whereas the audience for Classical symphony concerts
typically have above-average incomes, the audience for a rap concert
in an inner-city area may have below-average incomes. Even though the
performers, audience, or venue where non-"art" music is performed may
have a lower socioeconomic status, the music that is performed, such
as blues, rap, punk, funk, or ska may be very complex and

When composers introduce styles of music that break with convention,
there can be a strong resistance from academic music experts and
popular culture. Late-period Beethoven string quartets, Stravinsky
ballet scores, serialism, bebop-era jazz, hip hop, punk rock, and
electronica have all been considered non-music by some critics when
they were first introduced. Such themes are examined in the sociology
of music. The sociological study of music, sometimes called
sociomusicology, is often pursued in departments of sociology, media
studies, or music, and is closely related to the field of

 Role of women 
Women have played a major role in music throughout history, as
composers, songwriters, instrumental performers, singers, conductors,
music scholars, music educators, music critics/music journalists and
other musical professions. As well, it describes music movements,
events and genres related to women, women's issues and feminism. In
the 2010s, while women comprise a significant proportion of popular
music and classical music singers, and a significant proportion of
songwriters (many of them being singer-songwriters), there are few
women record producers, rock critics and rock instrumentalists.
Although there have been a huge number of women composers in classical
music, from the Medieval period to the present day, women composers
are significantly underrepresented in the commonly performed classical
music repertoire, music history textbooks and music encyclopedias; for
example, in the 'Concise Oxford History of Music', Clara Schumann is
one of the only female composers who is mentioned.

Women comprise a significant proportion of instrumental soloists in
classical music and the percentage of women in orchestras is
increasing. A 2015 article on concerto soloists in major Canadian
orchestras, however, indicated that 84% of the soloists with the
Orchestre Symphonique de Montreal were men. In 2012, women still made
up just 6% of the top-ranked Vienna Philharmonic orchestra. Women are
less common as instrumental players in popular music genres such as
rock and heavy metal, although there have been a number of notable
female instrumentalists and all-female bands. Women are particularly
underrepresented in extreme metal genres. In the 1960s pop-music
scene, "[l]ike most aspects of business, [in the 1960s,]
songwriting was a male-dominated field. Though there were plenty of
female singers on the radio, women ...were primarily seen as
consumers:... Singing was sometimes an acceptable pastime for a girl,
but playing an instrument, writing songs, or producing records simply
wasn't done." Young women "...were not socialized to see themselves as
people who create [music]."

Women are also underrepresented in orchestral conducting, music
criticism/music journalism, music producing, and sound engineering.
While women were discouraged from composing in the 19th century, and
there are few women musicologists, women became involved in music
education " such a degree that women dominated [this field]
during the later half of the 19th century and well into the 20th

According to Jessica Duchen, a music writer for London's 'The
Independent', women musicians in classical music are "...too often
judged for their appearances, rather than their talent" and they face
pressure " look sexy onstage and in photos." Duchen states that
while "[t]here are women musicians who refuse to play on their
looks,...the ones who do tend to be more materially successful."
According to the UK's Radio 3 editor, Edwina Wolstencroft, the music
industry has long been open to having women in performance or
entertainment roles, but women are much less likely to have positions
of authority, such as being the leader of an orchestra. In popular
music, while there are many women singers recording songs, there are
very few women behind the audio console acting as music producers, the
individuals who direct and manage the recording process. One of the
most recorded artists is Asha Bhosle, an Indian singer best known as a
playback singer in Hindi cinema.

                         Media and technology                         
The music that composers and songwriters make can be heard through
several media; the most traditional way is to hear it live, in the
presence of the musicians (or as one of the musicians), in an outdoor
or indoor space such as an amphitheatre, concert hall, cabaret room,
theatre, pub, or coffeehouse. Since the 20th century, live music can
also be broadcast over the radio, television or the Internet, or
recorded and listened to on a CD player or Mp3 player.

Some musical styles focus on producing songs and pieces for a live
performance, while others focus on producing a recording that mixes
together sounds that were never played "live." Even in essentially
live styles such as rock, recording engineers often use the ability to
edit, splice and mix to produce recordings that may be considered
"better" than the actual live performance. For example, some singers
record themselves singing a melody and then record multiple harmony
parts using overdubbing, creating a sound that would be impossible to
do live.

Technology has had an influence on music since prehistoric times, when
cave people used simple tools to bore holes into bone flutes 41,000
years ago. Technology continued to influence music throughout the
history of music, as it enabled new instruments and music notation
reproduction systems to be used, with one of the watershed moments in
music notation being the invention of the printing press in the 1400s,
which meant music scores no longer had to be hand copied. In the 19th
century, music technology led to the development of a more powerful,
louder piano and led to the development of new valves brass

In the early 20th century (in the late 1920s), as talking pictures
emerged in the early 20th century, with their prerecorded musical
tracks, an increasing number of moviehouse orchestra musicians found
themselves out of work. During the 1920s, live musical performances by
orchestras, pianists, and theater organists were common at first-run
theaters. With the coming of the talking motion pictures, those
featured performances were largely eliminated. The American Federation
of Musicians (AFM) took out newspaper advertisements protesting the
replacement of live musicians with mechanical playing devices. One
1929 ad that appeared in the 'Pittsburgh Press' features an image of a
can labeled "Canned Music / Big Noise Brand / Guaranteed to Produce No
Intellectual or Emotional Reaction Whatever"

Since legislation introduced to help protect performers, composers,
publishers and producers, including the Audio Home Recording Act of
1992 in the United States, and the 1979 revised Berne Convention for
the Protection of Literary and Artistic Works in the United Kingdom,
recordings and live performances have also become more accessible
through computers, devices and Internet in a form that is commonly
known as Music-On-Demand.

In many cultures, there is less distinction between performing and
listening to music, since virtually everyone is involved in some sort
of musical activity, often in a communal setting. In industrialized
countries, listening to music through a recorded form, such as sound
recording on record or radio became more common than experiencing live
performance, roughly in the middle of the 20th century. By the 1980s,
watching music videos was a popular way to listen to music, while also
seeing the performers.

Sometimes, live performances incorporate prerecorded sounds. For
example, a disc jockey uses disc records for scratching, and some
20th-century works have a solo for an instrument or voice that is
performed along with music that is prerecorded onto a tape. Some pop
bands use recorded backing tracks. Computers and many keyboards can be
programmed to produce and play Musical Instrument Digital Interface
(MIDI) music. Audiences can also 'become' performers by participating
in karaoke, an activity of Japanese origin centered on a device that
plays voice-eliminated versions of well-known songs. Most karaoke
machines also have video screens that show lyrics to songs being
performed; performers can follow the lyrics as they sing over the
instrumental tracks.

 The Internet 
The advent of the Internet and widespread high-speed broadband access
has transformed the experience of music, partly through the increased
ease of access to recordings of music via streaming video and vastly
increased choice of music for consumers. Chris Anderson, in his book
'The Long Tail: Why the Future of Business Is Selling Less of More',
suggests that while the traditional economic model of supply and
demand describes scarcity, the Internet retail model is based on
abundance. Digital storage costs are low, so a company can afford to
make its whole recording inventory available online, giving customers
as much choice as possible. It has thus become economically viable to
offer music recordings that very few people are interested in.
Consumers' growing awareness of their increased choice results in a
closer association between listening tastes and social identity, and
the creation of thousands of niche markets.

Another effect of the Internet arose with online communities and
social media websites like YouTube and Facebook, a social networking
service. These sites make it easier for aspiring singers and amateur
bands to distribute videos of their songs, connect with other
musicians, and gain audience interest. Professional musicians also use
YouTube as a free publisher of promotional material. YouTube users,
for example, no longer only download and listen to MP3s, but also
actively create their own. According to Don Tapscott and Anthony D.
Williams, in their book 'Wikinomics', there has been a shift from a
traditional consumer role to what they call a "prosumer" role, a
consumer who both creates content and consumes. Manifestations of this
in music include the production of mashes, remixes, and music videos
by fans.

The music industry refers to the businesses connected with the
creation and sale of music. It consists of songwriters and composers
who create new songs and musical pieces, music producers and sound
engineers who record songs and pieces, record labels and publishers
that distribute recorded music products and sheet music
internationally and that often control the rights to those products.
Some music labels are "independent," while others are subsidiaries of
larger corporate entities or international media groups. In the 2000s,
the increasing popularity of listening to music as digital music files
on MP3 players, iPods, or computers, and of trading music on file
sharing websites or buying it online in the form of digital files had
a major impact on the traditional music business. Many smaller
independent CD stores went out of business as music buyers decreased
their purchases of CDs, and many labels had lower CD sales. Some
companies did well with the change to a digital format, though, such
as Apple's iTunes, an online music store that sells digital files of
songs over the Internet.

 Intellectual property laws 
In spite of some international copyright treaties, determining which
music is in the public domain is complicated by the variety of
national copyright laws that may be applicable.  US copyright law
formerly protected printed music published after 1923 for 28 years and
with renewal for another 28 years, but the Copyright Act of 1976 made
renewal automatic, and the Digital Millennium Copyright Act changed
the calculation of the copyright term to 70 years after the death of
the creator. Recorded sound falls under mechanical licensing, often
covered by a confusing patchwork of state laws; most cover versions
are licensed through the Harry Fox Agency. Performance rights may be
obtained by either performers or the performance venue; the two major
organizations for licensing are BMI and ASCAP. Two online sources for
public domain music are IMSLP (International Music Score Library
Project) and Choral Public Domain Library (CPDL).

The incorporation of some music or singing training into general
education from preschool to post secondary education is common in
North America and Europe. Involvement in playing and singing music is
thought to teach basic skills such as concentration, counting,
listening, and cooperation while also promoting understanding of
language, improving the ability to recall information, and creating an
environment more conducive to learning in other areas. In elementary
schools, children often learn to play instruments such as the
recorder, sing in small choirs, and learn about the history of Western
art music and traditional music. Some elementary school children also
learn about popular music styles. In religious schools, children sing
hymns and other religious music. In secondary schools (and less
commonly in elementary schools), students may have the opportunity to
perform in some types of musical ensembles, such as choirs (a group of
singers), marching bands, concert bands, jazz bands, or orchestras. In
some school systems, music lessons on how to play instruments may be
provided. Some students also take private music lessons after school
with a singing teacher or instrument teacher. Amateur musicians
typically learn basic musical rudiments (e.g., learning about musical
notation for musical scales and rhythms) and beginner- to
intermediate-level singing or instrument-playing techniques.

At the university level, students in most arts and humanities programs
can receive credit for taking a few music courses, which typically
take the form of an overview course on the history of music, or a
music appreciation course that focuses on listening to music and
learning about different musical styles. In addition, most North
American and European universities have some types of musical
ensembles that students in arts and humanities are able to participate
in, such as choirs, marching bands, concert bands, or orchestras. The
study of Western art music is increasingly common outside of North
America and Europe, such as the Indonesian Institute of the Arts in
Yogyakarta, Indonesia, or the classical music programs that are
available in Asian countries such as South Korea, Japan, and China. At
the same time, Western universities and colleges are widening their
curriculum to include music of non-Western cultures, such as the music
of Africa or Bali (e.g. Gamelan music).

 Professional training 
Individuals aiming to become professional musicians, singers,
composers, songwriters, music teachers and practitioners of other
music-related professions such as music history professors, sound
engineers, and so on study in specialized post-secondary programs
offered by colleges, universities and music conservatories.  Some
institutions that train individuals for careers in music offer
training in a wide range of professions, as is the case with many of
the top U.S. universities, which offer degrees in music performance
(including singing and playing instruments), music history, music
theory, music composition, music education (for individuals aiming to
become elementary or high school music teachers) and, in some cases,
conducting. On the other hand, some small colleges may only offer
training in a single profession (e.g., sound recording).

While most university and conservatory music programs focus on
training students in classical music, there are a number of
universities and colleges that train musicians for careers as jazz or
popular music musicians and composers, with notable U.S. examples
including the Manhattan School of Music and the Berklee College of
Music. Two important schools in Canada which offer professional jazz
training are McGill University and Humber College. Individuals aiming
at careers in some types of music, such as heavy metal music, country
music or blues are less likely to become professionals by completing
degrees or diplomas in colleges or universities. Instead, they
typically learn about their style of music by singing and/or playing
in many bands (often beginning in amateur bands, cover bands and
tribute bands), studying recordings available on CD, DVD and the
Internet and working with already-established professionals in their
style of music, either through informal mentoring or regular music
lessons. Since the 2000s, the increasing popularity and availability
of Internet forums and YouTube "how-to" videos have enabled many
singers and musicians from metal, blues and similar genres to improve
their skills. Many pop, rock and country singers train informally with
vocal coaches and singing teachers.

Undergraduate university degrees in music, including the Bachelor of
Music, the Bachelor of Music Education, and the Bachelor of Arts (with
a major in music) typically take about four years to complete. These
degrees provide students with a grounding in music theory and music
history, and many students also study an instrument or learn singing
technique as part of their program. Graduates of undergraduate music
programs can seek employment or go on to further study in music
graduate programs. Bachelor's degree graduates are also eligible to
apply to some graduate programs and professional schools outside of
music (e.g., public administration, business administration, library
science, and, in some jurisdictions, teacher's college, law school or
medical school).

Graduate music degrees include the Master of Music, the Master of Arts
(in musicology, music theory or another music field), the Doctor of
Philosophy (Ph.D.) (e.g., in musicology or music theory), and more
recently, the Doctor of Musical Arts, or DMA. The Master of Music
degree, which takes one to two years to complete, is typically awarded
to students studying the performance of an instrument, education,
voice (singing) or composition. The Master of Arts degree, which takes
one to two years to complete and often requires a thesis, is typically
awarded to students studying musicology, music history, music theory
or ethnomusicology.

The PhD, which is required for students who want to work as university
professors in musicology, music history, or music theory, takes three
to five years of study after the master's degree, during which time
the student will complete advanced courses and undertake research for
a dissertation. The DMA is a relatively new degree that was created to
provide a credential for professional performers or composers that
want to work as university professors in musical performance or
composition. The DMA takes three to five years after a master's
degree, and includes advanced courses, projects, and performances. In
Medieval times, the study of music was one of the Quadrivium of the
seven Liberal Arts and considered vital to higher learning. Within the
quantitative Quadrivium, music, or more accurately harmonics, was the
study of rational proportions.

Musicology, the academic study of the subject of music, is studied in
universities and music conservatories. The earliest definitions from
the 19th century defined three sub-disciplines of musicology:
systematic musicology, historical musicology, and comparative
musicology or ethnomusicology. In 2010-era scholarship, one is more
likely to encounter a division of the discipline into music theory,
music history, and ethnomusicology. Research in musicology has often
been enriched by cross-disciplinary work, for example in the field of
psychoacoustics. The study of music of non-Western cultures, and the
cultural study of music, is called ethnomusicology. Students can
pursue the undergraduate study of musicology, ethnomusicology, music
history, and music theory through several different types of degrees,
including bachelor's degrees, master's degrees and PhD degrees.

 Music theory 
Music theory is the study of music, generally in a highly technical
manner outside of other disciplines. More broadly it refers to any
study of music, usually related in some form with compositional
concerns, and may include mathematics, physics, and anthropology. What
is most commonly taught in beginning music theory classes are
guidelines to write in the style of the common practice period, or
tonal music. Theory, even of music of the common practice period, may
take many other forms. Musical set theory is the application of
mathematical set theory to music, first applied to atonal music.
'Speculative music theory', contrasted with 'analytic music theory',
is devoted to the analysis and synthesis of music materials, for
example tuning systems, generally as preparation for composition.

Zoomusicology is the study of the music of non-human animals, or the
musical aspects of sounds produced by non-human animals. As George
Herzog (1941) asked, "do animals have music?" François-Bernard Mâche's
'Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion' (1983), a study of
"ornitho-musicology" using a technique of Nicolas Ruwet's 'Langage,
musique, poésie' (1972) paradigmatic segmentation analysis, shows that
bird songs are organised according to a repetition-transformation
principle. Jean-Jacques Nattiez (1990), argues that "in the last
analysis, it is a human being who decides what is and is not musical,
even when the sound is not of human origin. If we acknowledge that
sound is not organised and conceptualised (that is, made to form
music) merely by its producer, but by the mind that perceives it, then
music is uniquely human."

In the West, much of the history of music that is taught deals with
the Western civilization's art music, which is known as classical
music. The history of music in non-Western cultures ("world music" or
the field of "ethnomusicology"), which typically covers music from
Africa and Asia is also taught in Western universities. This includes
the documented classical traditions of Asian countries outside the
influence of Western Europe, as well as the folk or indigenous music
of various other cultures. Popular or folk styles of music in
non-Western countries varied widely from culture to culture, and from
period to period. Different cultures emphasised different instruments,
techniques, singing styles and uses for music. Music has been used for
entertainment, ceremonies, rituals, religious purposes and for
practical and artistic communication. Non-Western music has also been
used for propaganda purposes, as was the case with Chinese opera
during the Cultural Revolution.

There is a host of music classifications for non-Western music, many
of which are caught up in the argument over the definition of music.
Among the largest of these is the division between classical music (or
"art" music), and popular music (or commercial music - including
non-Western styles of rock, country, and pop music-related styles).
Some genres do not fit neatly into one of these "big two"
classifications, (such as folk music, world music, or jazz-related

As world cultures have come into greater global contact, their
indigenous musical styles have often merged with other styles, which
produces new styles. For example, the United States bluegrass style
contains elements from Anglo-Irish, Scottish, Irish, German and
African instrumental and vocal traditions, which were able to fuse in
the United States' multi-ethnic "melting pot" society. Some types of
world music contain a mixture of non-Western indigenous styles with
Western pop music elements. Genres of music are determined as much by
tradition and presentation as by the actual music. Some works, like
George Gershwin's 'Rhapsody in Blue', are claimed by both jazz and
classical music, while Gershwin's 'Porgy and Bess' and Leonard
Bernstein's 'West Side Story' are claimed by both opera and the
Broadway musical tradition. Many current music festivals for
non-Western music include bands and singers from a particular musical
genre, such as world music.

Indian music, for example, is one of the oldest and longest living
types of music, and is still widely heard and performed in South Asia,
as well as internationally (especially since the 1960s). Indian music
has mainly three forms of classical music, Hindustani, Carnatic, and
Dhrupad styles. It has also a large repertoire of styles, which
involve only percussion music such as the talavadya performances
famous in South India.

                            Music therapy                             
Music therapy is an interpersonal process in which a trained therapist
uses music and all of its facets—physical, emotional, mental, social,
aesthetic, and spiritual—to help clients to improve or maintain their
health. In some instances, the client's needs are addressed directly
through music; in others they are addressed through the relationships
that develop between the client and therapist. Music therapy is used
with individuals of all ages and with a variety of conditions,
including: psychiatric disorders, medical problems, physical
disabilities, sensory impairments, developmental disabilities,
substance abuse issues, communication disorders, interpersonal
problems, and aging. It is also used to improve learning, build
self-esteem, reduce stress, support physical exercise, and facilitate
a host of other health-related activities. Music therapists may
encourage clients to sing, play instruments, create songs, or do other
musical activities.

One of the earliest mentions of music therapy was in Al-Farabi's (c.
872-950) treatise 'Meanings of the Intellect', which described the
therapeutic effects of music on the soul. Music has long been used to
help people deal with their emotions. In the 17th century, the scholar
Robert Burton's 'The Anatomy of Melancholy' argued that music and
dance were critical in treating mental illness, especially
melancholia. He noted that music has an "excellent power expel
many other diseases" and he called it "a sovereign remedy against
despair and melancholy." He pointed out that in Antiquity, Canus, a
Rhodian fiddler, used music to "make a melancholy man merry, ...a
lover more enamoured, a religious man more devout." In the Ottoman
Empire, mental illnesses were treated with music. In November 2006,
Dr. Michael J. Crawford and his colleagues also found that music
therapy helped schizophrenic patients.

Albert Einstein had a lifelong love of music (particularly the works
of Bach and Mozart), once stating that life without playing music
would be inconceivable to him. In some interviews Einstein even
attributed much of his scientific intuition to music, with his son
Hans recounting that "whenever he felt that he had come to the end of
the road or into a difficult situation in his work, he would take
refuge in music, and that would usually resolve all his difficulties."
Something in the music, according to Michele and Robert Root-Bernstein
in 'Psychology Today', "would guide his thoughts in new and creative
directions." It has been said that Einstein considered Mozart's music
to reveal a universal harmony that Einstein believed existed in the
universe, "as if the great Wolfgang Amadeus did not 'create' his
beautifully clear music at all, but simply discovered it already made.
This perspective parallels, remarkably, Einstein’s views on the
ultimate simplicity of nature and its explanation and statement via
essentially simple mathematical expressions." A review suggests that
music may be effective for improving subjective sleep quality in
adults with insomnia symptoms. Music is also being used in clinical
rehabilitation of cognitive and motor disorders.

                               See also                               
* Music-specific disorders
* Lists of musicians
* List of musicology topics
* List of music software
* Music and emotion
* Music history
* Women in music
* Internet Archive
* History of music
* Music archaeology

                           Further reading                            
*  Online version as [
'Grove Music Online']
* Small, Christopher (1977). 'Music, Society, Education'. John Calder
Publishers, London.

                            External links                            
* [ BBC Blast Music] For 13- to
19-year-olds interested in learning about, making, performing and
talking about music.
*[ Grove Music Online] —
online version of 'The New Grove Dictionary of Music and Musicians'.
The Virginia Tech Multimedia Music Dictionary], with definitions,
pronunciations, examples, quizzes and simulations
The Music-Web Music Encyclopedia], for musicians, composers and music
* [ Dolmetsch free online
music dictionary], complete, with references to a list of specialised
music dictionaries (by continent, by instrument, by genre, etc.)
* [ Musical Terms] -
Glossary of music terms from Naxos
"On Hermeneutical Ethics and Education: Bach als Erzieher"], a paper
by Prof. Miguel Ángel Quintana Paz in which he explains the history of
the different views hold about music in Western societies, since the
Ancient Greece to our days.
Monthly Online Features From Bloomingdale School of Music], addressing
a variety of musical topics for a wide audience
* [ Arts and Music
Uplifting Society towards Transformation and Tolerance] Articles meant
to stimulate people's awareness about the peace enhancing,
transforming, communicative, educational and healing powers of music.
Scientific American, 'Musical Chills Related to Brain Dopamine

All content on Gopherpedia comes from Wikipedia, and is licensed under CC-BY-SA
License URL:
Original Article: